ANA MARIA MATUTE. EL HADA MADRINA DE LA LITERATURA ESPAÑOLA

Ana María Matute (1925-2014) ha fallecido a los 88 años en Barcelona, según ha confirmado la Real Academia Española (RAE), donde ocupaba la silla K. La autora de «Olvidado rey Gudú», que recibió el Premio Cervantes hace tres años.

«Me gustaría ser recordada como una mujer que amó mucho la vida», dijo Ana María Matute .  «No puedo aceptar que después de la muerte no exista nada, porque todo lo que he sentido, y todos mis deseos, mis sueños se pudra. En alguna parte quedará y quiero sentirlo así», asegura la autora. «Quisiera que mis libros duraran, porque yo estoy en mis libros, y si alguien me ha querido y me recuerda, y me quiere volver a encontrar, estoy en todos mis libros, en los peores y en los mejores», añade

Matute escribió su primera novela aquel verano del 36 en Barcelona y la tituló «Juanito». Por las noches iba con una linterna a la habitación de mis hermanos para leerles un capítulo, que acababa con un Continuará… Su obra estaba impregnada del espíritu de una infancia con más sombras que luces . La escritora era crítica con los niños de ho y denunciaba las carencias de esos chavales abducidos por las nuevas tecnologías: «Manejan el ordenador mejor que nadie, pero no saben quiénes eran Caín y Abel. Y no en el aspecto religioso, sino como expresión cotidiana. A los 15 años es peor, porque entonces se creen que saben. Y más grave todavía: personas que tienen una responsabilidad social y que cometen faltas de ortografía. De jovencita, si algún pretendiente me escribía con faltas de ortografía, aunque fuera el chico más guapo del mundo yo lo descartaba rápidamente. Me parecía horrible que un joven de 15 años cometiera faltas de ortografía. Fíjese… ¡Ahora me quedaría sin novio!».

Sus novelas no eran autobiográficas… pero ella estaba en todas ellas. Cuando la escritora hablaba de sí misma, lo hacía en tercera persona, como si apelara a esa niña traviesa que siempre fue: «¡Cosas de la Matute!», exclamaba. 

Artículo completo:http://www.abc.es/cultura/libros/20140625/abci-maria-matute-201406251043.html

“El mundo hay que fabricárselo uno mismo, hay que crear peldaños que te suban, que te saquen del pozo. Hay que inventar la vida, porque acaba siendo verdad.”

TED RUMMEL: VUELTA AL TRABAJO

 

El Doctor Ted  Rummel quedó paralizado de la cintura hacia abajo en 2010.  Este cirujano excepcional había sido diagnosticado con un hemangioma cavernoso - un quiste lleno de sangre - en el centro de la médula espinal un año antes.  Los neurólogos le dijeron que el quiste no podía ser eliminado quirúrgicamente, ya que el procedimiento le paralizaría al instante.  En su lugar, se le dijo a descansar, esperar y rezar para que el quiste no se rompiera.

Desafortunadamente para el Dr. Rummel, el quiste se rompió en septiembre de 2010, apenas una semana después de haber realizado una cirugía del manguito rotador en su esposa Kathy - su última operación en los próximos dos años. Sufrió un dolor de espalda terrible, seguido de entumecimiento y debilidad en las piernas.  En cuestión de días el Dr. Rummel quedó paralizado de por vida.

Un año después de una agotadora rehabilitación, el apoyo de su familia y colegas, y la ayuda de una silla de ruedas de bipedestación que le permite estar de pie le han dado la oportunidad a Rummel de regresar a los quirófanos

MARINA ABRAMOVIC Y SU PERFORMANCE RITMO O

Marina Abramović nació en una familia de guerrilleros yugoslavos, su padre era un comandante que fue aclamado como héroe nacional  mientras su madre fue comandante en la armada y posteriormente Directora del Museo de la Revolución y Arte en Belgrado. Marina recibió una educación estricta y una cultura represiva del gobierno de posguerra, estudió hasta un posgrado en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, cuando ya preparaba su primer performance para 1976 dejó Yugoslavia y llegó a Amsterdam, donde su carrera se vió impulsada por el colectivo con Ulay. Abramović  hoy en día es una de las artistas de performance más activas de su generación.

 

Esta artista serbia que se dedica al performance el cual explora la relación entre artista-audiencia, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente, así como mantener la atención en el aquí y el ahora, literalamente. Marina comenzó su carrera hace ya más de 30 años por lo que se llama a sí misma como la “Abuela del arte del performance”.

 

El trabajo de Abramović se distingue por ser irreverente y en algunos casos peligroso, de acuerdo a ella nada sensacionalista, pues con éste solo trata de llevar a cabo experimentos con los cuales intenta identificar y definir los límites y el control sobre su cuerpo, por ejemplo, a lo largo de sus más de tres décadas de trabajo, se ha flagelado, congelado y controlado sus músculos con drogas las cuales la han llevado a la inconsciencia, por si fuera poco ha estado a punto de morir asfixiada bajo una cortina de oxígeno y llamas, algunas ocasiones éstos performance han tenido que ser interrumpidos por el público, el cual llega al límite y no puede resistir el atestiguar el dolor y sufrimiento de la artista durante el mismo.

 

Ritmo0.: es uno de los trabajos mas conocidos de la artista. Este experimento consistía en no moverse durante seis horas,  colocó en una mesa cerca 72 objetos que se podían usar de manera destructiva o placentera, desde flores, plumas, hasta cuchillos y una pistola cargada. Entonces le dijo a los espectadores que podían usar los objetos como ellos quisieran.

 

Al principio, los espectadores fueron pacíficos y tímidos, pero escalaron a la violencia rápidamente. En sus palabras: "La experiencia que aprendí fue que... si se deja la decisión al público, te pueden matar... Me sentí realmente violada: me cortaron la ropa, me pegaron rosas al estomago, una persona me apunto con el arma en la cabeza y otra se la quito. Se creó una atmósfera agresiva. Después de exactamente 6 horas, como estaba planeado, me puse de pie y empecé a caminar hacia el público. Todo el mundo salió corriendo, escapando de una confrontación real."

Esta obra revela algo terrible de la humanidad,  demostró con que facilidad la gente puede dañarse entre sí, bajo circunstancias inusuales.

Esta performance muestra lo fácil que es deshumanizar a una persona que no se defiende, y es particularmente fuerte porque desafía directamente lo que pensamos sobre nosotros mismos. Estoy seguro que nadie leyendo esto cree que la gente que lo rodea es capaz de hacer tales cosas a otro ser humano, pero este experimento, demostró lo contrario.

ALICE MUNRO: PREMIO NOBEL LITERATURA 2013

 

Alice Munro nació en 1931 en Wingham (Canadá) y se licenció en la Universidad de Western Ontario. En la actualidad está considerada como una de las principales escritoras actuales en lengua inglesa y una de las maestras mundiales del relato contemporáneo. Es autora de doce volúmenes de relatos, dos antologías y una novela. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios de prestigio, entre los que cabe destacar el Governor General’s Award de Canadá, que le ha sido concedido en tres ocasiones, el W.H. Smith Prize, el National Book Circle Critics Award de los Estados Unidos, el PEN/Malamud Award for Excellence in Short Fiction, el Rea Award for the Short Story, el Giller Prize, el Trillium Prize y el Libris Award.

Conocida como la «Chejov canadiense» –sus relatos breves se centran en las relaciones humanas analizadas a través de la lente de la vida cotidiana– ella misma se declara en deuda con autoras de la talla de Flannery O’Connor, Katherine Anne Porter y Eudora Welty. Actualmente la autora vive parte del año en Clinton, Ontario, y parte en Comox, en la Columbia británica.

 

 

Durante todo el tiempo en que fui una joven esposa, y más tarde, aunque no mucho más tarde, mientras fui una joven madre  ─ocupada, fiel, satisfecha con regularidad─, siempre tuve sueños, de cuando en cuando, en los que el asalto, la reacción, las posibilidades, iban más allá que cualquier cosa que ofreciera la vida. Y en los que el romanticismo quedaba borrado del mapa. También la decencia. Nuestra cama ─la del señor Gorrie y la mía─ era la playa de grava o la tosca cubierta de barco o los ásperos rollos de cabos grasientos”.

“El amor de una mujer generosa”, Alice Munro. (Fragmento del relato “La isla de Cortés”).

 

 

 

Entrevista con Alice Munro: http://www.lavanguardia.com/cultura/20090527/53712129215/alice-munro-ya-no-sirvo-para-una-vida-normal-he-escrito-tantos-anos-que-no-se-hacer-nada-mas.html



José Luis Sampedro : "Tenéis una vida. Cada uno la suya. ¡Aprovechadla!"

El humanista, escritor y economista José Luis Sampedro falleció la madrugada del día 8 a los 96 años de edad. Por expreso deseo del autor, la noticia de su fallecimiento no se ha conocido hasta esta mañana porque quería "irse" de "manera sencilla y sin publicidad", según su viuda Olga Lucas, con la que se había casado en 2003.

Al escritor de 'La sonrisa etrusca' y 'La sombra de los días' y académico de la Lengua le han incinerado esta mañana en el cementerio de La Almudena en la más estricta intimidad.

Olga Lucas ha explicado que el escritor había asumido con naturalidad la muerte: "Decía que tenía miedo a fallar, a no saber hacerlo con dignidad, pero no tenía miedo a morirse". Para su viuda, vivir al lado de Sampredro ha sido "vivir al lado de una nube de cariño. Ha sido un privilegio estar a su lado".

 

Nacido en Barcelona el 1 de febrero de 1917, en 1936 se unió al ejército republicano en la Guerra Civil Española. Años después, finalizaría sus estudios de Economía con Premio Extraordinario.

Tras su jubilación, Sampedro se dedicó de llenó a las letras. Fueron años en los que escribió 'La sonrisa etrusca' (1985), 'La vieja sirena' y 'El amante lesbiano' (2000), con las que obtuvo el reconocimiento de crítica y público. Desde 1990 es miembro de la Real Academia Española.

 

Testigo excepcional de la Historia del siglo XX, en los últimos tiempos ha denunciado en cualquier foro al que ha acudido las injusticias del sistema capitalista. Siempre manifestó su convencimiento de que "tenemos el deber de vivir la vida".

 

Sampedro fue Premio Nacional de las letras en 2011 y en 2010 el Consejo de Ministros le otorgó la Orden de las Artes y las Letras de España por "su sobresaliente trayectoria literaria y por su pensamiento comprometido con los problemas de su tiempo".

 

La ética y la crítica marcaron toda su vida, defendiendo siempre una economía "más humana, más solidaria, capaz de contribuir a desarrollar la dignidad de los pueblos". Hasta el final mantuvo su carácter combativo y luchador, protestando contra todas las injusticias sociales que había ocasionado la crisis. Su apoyo al movimiento 15-M fue constante y escribió el prólogo del libro de Stéphane Hessel, 'Indignaos'.

SAN VALENTIN; 14 DE FEBRERO

Muchos piensan que San Valentín se celebra desde hace poco y que surgió por el interés de los grandes centros comerciales, pero su origen se remonta a la época del Imperio Romano.
 

 

 

San Valentín era un sacerdote que hacia el siglo III ejercía en Roma. Gobernaba el emperador Claudio II, quien decidió prohibir la celebración de matrimonios para los jóvenes, porque en su opinión los solteros sin familia eran mejores soldados, ya que tenían menos ataduras.

 

El sacerdote consideró que el decreto era injusto y desafió al emperador. Celebraba en secreto matrimonios para jóvenes enamorados (de ahí se ha popularizado que San Valentín sea el patrón de los enamorados). El emperador Claudio se enteró y como San Valentín gozaba de un gran prestigio en Roma, el emperador lo llamó a Palacio. San Valentín aprovechó aquella ocasión para hacer proselitismo del cristianismo.

 

Aunque en un principio Claudio II mostró interés, el ejército y el Gobernador de Roma, llamado Calpurnio, le persuadieron para quitárselo de la cabeza.

El emperador Claudio dio entonces orden de que encarcelasen a Valentín. Entonces, el oficial Asterius, encargado de encarcelarle, quiso ridiculizar y poner a prueba a Valentín. Le retó a que devolviese la vista a una hija suya, llamada Julia, que nació ciega. Valentín aceptó y en nombre del Señor, le devolvió la vista.
 

 

Este hecho convulsionó a Asterius y su familia, quienes se convirtieron al cristianismo. De todas formas, Valentín siguió preso y el débil emperador Claudio finalmente ordenó que lo martirizaran y ejecutaran el 14 de febrero del año 270. La joven Julia, agradecida al santo, plantó un almendro de flores rosadas junto a su tumba. De ahí que el almendro sea símbolo de amor y amistad duraderos

CANCER INFANTIL Y MACACO

La música puede servir para lanzar un mensaje social... Para concienciar a la gente... Un grupo de pacientes de los servicios de oncología y hematología, sus familias, profesionales y voluntarios del Hospital Sant Joan de Déu de Barcelona han grabado un videoclip con el cantante Macaco, para sensibilizar a la población sobre la necesidad de financiar la investigación del cáncer infantil.

La iniciativa surgió de Paula, una paciente del Hospital de 12 años de edad, que quería hacer un videoclip en el que todos los niños del servicio de oncología cantaran y bailaran para mostrar a la sociedad que aunque están enfermos tienen esperanza y alegría, a la vez que para animar a la población a hacer donaciones que permitan avanzar en la investigación y descubrir nuevos tratamientos contra el cáncer infantil.

Los profesionales y la dirección del Hospital dieron apoyo a esta iniciativa, y Macaco cedió el uso de una de sus canciones.  La productora La Fábrica Naranja realizó el guión y puso todos los recursos humanos y materiales para hacerlo realidad.

El cantante quiso implicarse personalmente en el proyecto y dar su apoyo a la causa participando en el rodaje del videoclip el pasado 2 de noviembre y cantando al lado de una treintena de pacientes, familias, profesionales y voluntarios del Hospital.

 

Cada vez que uno de vosotros abra este video, se donará 5 céntimos a esta causa.

 

Luis Rojas Marcos

Nació en Sevilla en 1943. Fue un niño de temperamento inquieto, curioso, travieso, distraído y tuvo problemas de aprendizaje. A los catorce años dejó el colegio de los Jesuitas de Portaceli (Sevilla) a causa de las dificultades escolares y fue admitido en el colegio laico El Santo Ángel, donde progresivamente mejoró su rendimiento académico, lo que le permitió completar los estudios de bachillerato.  Dotado de talento natural para la música, aprendió piano, guitarra y posteriormente la batería, el instrumento ideal para un niño hiperactivo.

Desde joven tuvo fuerte vocación de médico y con veinticuatro años y recién licenciado en Medicina por la Universidad de Sevilla, emigró a Nueva York, donde reside desde entonces y se dedica a la medicina, la psiquíatría y la salud pública.

Doctor en Medicina y Cirugía por la Universidad de Bilbao y en Ciencias Médicas por la Universidad del Estado de Nueva York, se especializó en psiquiatría en el Hospital Bellevue y la Universidad de Nueva York (1969-1972).  En 1981, fue nombrado por el alcalde de Nueva York, Edward Koch, Director de los Servicios Psiquiátricos de la red de hospitales públicos de la ciudad.  La contribución más reconocida de Rojas Marcos en este cargo fue la creación de Project HELP (Homeless Emergency Liaison Project), el primer servicio médico móvil para atender y hospitalizar a enfermos mentales graves desamparados sin techo. También desarrolló el reconocido programa Choose to de-fuse para la prevención de violencia en los colegios públicos de la ciudad.   

En la actualidad, Rojas Marcos es Profesor de Psiquiatría de la Universidad de Nueva York. Es también miembro de la Academia de Medicina de la misma ciudad, de la Asociación Americana de Psiquiatría (miembro distinguido vitalicio) y de la Academia Americana de Medicina Paliativa.   

   

En España,  ha sido patrono de la Fundación “la Caixa” (2000-2010), es patrono de honor de la Fundación ADANA (Ayuda Déficit Atención Niños, Adolescentes y Adultos), y asesora y apoya a instituciones preocupadas por temas sociales y de salud pública. En 2010 el Gobierno español le concedió La Medalla de la Orden de las Artes y las Letras de España.

Es autor de numerosos artículos de opinión y de varios libros, entre los que destacan 'La ciudad y sus desafíos', 'La pareja rota', 'Las semillas de la violencia' (Premio Espasa Ensayo 1995), 'Nuestra felicidad', 'Más allá del 11 de septiembre', 'La fuerza del optimismo' , 'La autoestima', 'Corazón y mente' (obra conjunta con el cardiólogo Valentín Fuster) y 'Superar la adversidad'        

COCO CHANEL

Su verdadero nombre era Gabrielle Bonheur. Nació en un hospicio de Saumur el 18 de agosto de 1883.  En permanente situación de escasez sobrellevó a duras penas sus primeros años de infancia .  

De una gran personalidad, con belleza sensualmente discreta, femenina y menuda figura, pelo corto casi varonil, nada la detuvo cuando en 1905 resolvió convertirse en cantante de un cabaret, oficio que desplegó por tres años y que la introdujo en el mundo de divertimento y las relaciones sexuales pasajeras.   De la mano de uno de sus primeros adinerados amantes partió a París y así, en 1909 se instaló en un pequeño departamento en el Boulevard de Malesherbes donde rápidamente abrió su primera tienda de sombreros, Modas Chanel.

En 1914 creó una ropa cómoda inspirada en los uniformes de los mayordomos y de los mozos de cuadra, pantalones y camisas marineras, una ropa cómoda para una época de guerra. En la década de 1920 lanzó un mítico perfume, Chanel Nº5, siendo la primera diseñadora que lanzaba un aroma. Durante los 30, Coco Chanel introdujo una pequeña línea de cosméticos que incluía labial, rubor y polvo traslúcido. Con estos productos se solidificó su presencia en el mundo del maquillaje y su reputación creció como la creadora de un "look" total. Pese a los años de recesión, en 1931, el magnate hollywoodense Samuel Goldwin la contrató por un millón de dólares para que vistiera a sus grandes musas del celuloide como Katherine Hepburn, Grace Nelly, Elizabeth Taylor y Gloria Swanson.

 

Observadora innata, criticaba la estricta moda que seguían las mujeres (grandes sombreros cargados de pieles de animales y flores, corsés y recargados diseños) y desplegó toda su imaginería hasta convertirse en una de las grandes diseñadoras del siglo XX, tan trascendental como Christian Dior y otros grandes que la siguieron. Coco eliminó la moda recargada que imperaba, diseñando prendas muy sencillas, muy cómodas, de líneas rectas, pero con un toque de alta distinción; su moda fue rápidamente adoptada por el encumbrado público parisino. Su frase más célebre fue: «Todo lo que es moda pasa de moda».

 

 

 

Revolucionó la moda con una increíble colección de joyería de fantasía. Las famosas tiras de perlas alrededor del cuello, los cintos de cadena, los aretes y las pulseras de aleaciones de distintos metales que sustituyeron al oro, siguen adornando a las mujeres de este siglo. Sin olvidar las bolsas acolchadas o "quilted" que marcaron un sello clásico que no sólo dejó huella sino que hoy por hoy sigue siendo un signo de elegancia y distinción.

 

Al final de la segunda guerra mundial, debido a un romance con un alto oficial de las SS, Walter Schellenberg, se le imputaron cargos de ser colaboracionista del regimen nazi, cosa que ella rechazó de plano. En los años 50 era toda una celebridad, entre sus clientas se encontraban Brigitte Bardot, Marlene Dietrich, Jackie Kennedy o Marilyn Monroe, a quien debe la duplicación de la venta de sus colecciones después de que ésta se atrevió a decir que para dormir sólo se ponía unas gotas de Chanel No. 5.

Murió sola en su habitación del Hotel Ritz de Paris el 10 de enero de 1971, a los 87 años de edad. Su cuerpo yace en Lausanne, Suiza, resguardo por cinco leones de piedra.

MARIA CALLAS

 Su verdadero nombre era María Anna Cecilia Sophia Kalongeropoulos, de origen griego, nació el 2 de diciembre de 1923 en Nueva York. Aunque nació en Estados Unidos, toda su vida la pasó entre Grecia e Italia.
Comenzó su formación en el Conservatorio Nacional de Atenas, y para inscribirse tuvo que falsear la edad ya que no tenía los dieciséis años mínimos.  Su formación fue lenta y nada había en ella que permitiera presagiar a la futura diva. En 1938 hará su debut no profesional como Santuzza en Cavalleria rusticana en Atenas.

El debut de María fue en 1941, en el Teatro Lírico Nacional de Atenas con la opereta Boccaccio. El primer éxito lo tendría en 1942 con Tosca en la Ópera de Atenas. Tras rechazar un contrato en el Metropolitan Opera House de Nueva York, marchó a Italia, donde debutó en la Arena de Verona en 1947 con La Gioconda de Ponchielli. El éxito que obtuvo en esas representaciones atrajo sobre ella la atención de otros prestigiosos teatros italianos. Su carrera estaba desde entonces lanzada: protegida por el eminente director de orquesta Tullio Serafin, cantó Turandot de Puccini, Aida y La forza del destino de Verdi e incluso Tristán e Isolda de Wagner, ésta en versión italiana. En Italia conoció a su primer esposo: un acaudalado industrial de la construcción llamado Giovanni Battista Meneghini, treinta años mayor que ella.

Su personificación de la protagonista de la Norma de Bellini en Florencia, en 1948, acabó de consagrarla como la gran soprano de su generación y una de las mayores del siglo. La década de 1950 fue la de sus extraordinarios triunfos: en absoluta plenitud de sus medios vocales, protagonizó veladas inolvidables, muchas de ellas conservadas en documentos fonográficos de inestimable valor, en las que encarnó los grandes papeles del repertorio italiano belcantista y romántico para soprano.
 En esos años, el director de cine y teatro Lucchino Visconti firmó para ella algunos de sus montajes más importantes, como La Traviata que pudo verse en 1955 en la Scala de Milán o la Anna Bolena que en la misma escena se representó en 1957. Trabajó con algunos de los más importantes directores de escena y orquesta del momento, destacando Luchino Visconti, Leonard Bernstein, Carlo Maria Giulini y Herbert von Karajan. 

Maria Callas era extremadamente autocrítica y temperamental por lo que tenía frecuentes altercados con empresarios y directores de los teatros.

En 1959, Maria Callas conoció al naviero griego Aristóteles Onassis, abandonando a su marido Giovanni Meneghini. Tuvo un breve retiro durante esta relación pero cuando volvió de nuevo a escena, su voz evidenciaba signos de decaimiento. En 1965, realizó su última representación operística con Tosca en el Covent Garden de Londres. En ese momento tenía cuarenta y un años. Tres años más tarde, Aristóteles Onassis dejó a Maria Callas por Jacqueline Kennedy. No obstante, no abandonó el canto, y así, en 1974 realizó junto al tenor Giuseppe Di Stefano una gira de conciertos por Europa, Estados Unidos y Extremo Oriente. En estos años se dedicó también a la enseñanza musical en la Juilliard School.
Su muerte repentina el 16 de septiembre de 1977 dejó un hueco en el mundo de la lírica que ninguna otra soprano ha sido capaz de ocupar. Sus cenizas fueron dispersadas en el Mar Egeo.

HIPATIA DE ALEJANDRIA

Hipatia nació en Alejandría, capital de la diócesis romana de Egipto, en el año 370 de nuestra era y murió en esa misma ciudad en el 415. Fue una filósofa y maestra neoplatónica griega que destacó en los campos de las matemáticas y la astronomía, miembro y líder de la Escuela neoplatónica de Alejandría a comienzos del siglo V. Seguidora de Plotino, cultivó los estudios lógicos y las ciencias exactas, llevando una vida ascética. Educó a una selecta escuela de aristócratas cristianos y paganos que ocuparon altos cargos, destacándose entre ellos el obispo Sinesio de Cirene.

Hipatia es la primera mujer matemática de la que tenemos un conocimiento razonablemente seguro y detallado. Escribió sobre geometría, álgebra y astronomía mejoró el diseño de los primitivos astrolabios —instrumentos para determinar las posiciones de las estrellas sobre la bóveda celeste— e inventó un hidrómetro (instrumento para  medir la temperatura y humedad del aire).

 

Su padre fue Teón de Alejandría, quiso que Hipatia fuera, dicho en sus propias palabras: "un ser humano perfecto" y por ello vigiló muy de cerca la educación de su mente y de su cuerpo. Cuentan los biógrafos de Hipatia que desde muy temprano en la mañana ella dedicaba varias horas al ejercicio físico, después tomaba baños que la relajaban y le permitían concentrar la mente para dedicarse, el resto del día, al estudio de las ciencias, la música y la filosofía.

 

Hipatia se dedicó, durante veinte años, a investigar y enseñar Matemáticas, Geometría, Astronomía, Lógica, Filosofía y Mecánica en el Museo, ocupaba la cátedra de Filosofía platónica por lo que sus amigos y compañeros la llamaban "la filósofa". Ganó tal reputación que al Museo asistían estudiantes de Europa, Asia y África a escuchar sus enseñanzas sobre "la Aritmética de Diofanto" y su casa se convirtió en un gran centro intelectual.

 

Se convirtió en una de las mejores científicas y filósofas de su época, erudita de un conocimiento que los cristianos identificaban con el paganismo y que por tanto perseguían. En 412 Cyrilo, un cristiano fanático, se convirtió en patriarca de Alejandría y se desarrolló una intensa hostilidad entre él y Orestes, prefecto romano de Egipto, antiguo alumno y viejo amigo de Hypatia. Poco después de asumir el poder, Cyrilo empezó a perseguir a los judíos y dedicó su atención a librar la ciudad de los neoplatónicos. 

En la cuaresma, en marzo del 415, acusada de conspirar contra el patriarca cristiano de Alejandría, Cirilo, fue asesinada. Un grupo de fanáticos, dirigidos por un lector de nombre Pedro se abalanzó sobre la filósofa mientras regresaba en carruaje a su casa, la golpearon y la arrastraron por toda la ciudad hasta llegar al Cesáreo (magno templo ) Allí, tras desnudarla, la golpearon con tejas hasta descuartizarla y sus restos fueron paseados en triunfo por la ciudad hasta llegar a un lugar denominado el Cinareo (por su nombre, se supone que un crematorio), donde fué incinerada. Debía tener unos sesenta años en el momento de su muerte. Al asesinar a Hipatia asesinaron a una mujer, a una matemática y filósofa, la primera en la historia y la más notable de su época; pero no pudieron asesinar el pensamiento filosófico y matemático griego.

 

Adeline Virginia Woolf

Escritora inglesa de novelas y crítica literaria, Virginia Woolf nació en Londres. Miembro de una familia de clase media-alta. Su padre fue Sir Leslie Stephen, crítico literario y el primer editor de ' The Dictionary of National Biography'; su madre ( Julia) viuda de Herbert Duckworth y sobrina de la fotógrafa pionera Julia Margaret Cameron, fue la segunda esposa de Sir Leslie Stephen. Virginia conocida familiarmente por sus hermanos como 'la cabra' fue la tercera de cuatro hijos.

Virginia Woolf

Fué educada por sus padres en casa y se  le dió derecho a usar la biblioteca de su padre. Las horas que dedicó a la lectura fueron su verdadera educación, en cierta medida, una sustitución de los cursos universitarios de los que fue rechazada debido a su sexo. La carrera de escritora de Virginia Woolf debería decirse que empezó cuando ella tenía nueve años y comenzó con un diario semanal, 'The Hyde Park Gate New' haciendo crónicas de acontecimientos familiares en su casa de Kensington y en Talland House en St. Ives, Cornwall, donde pasaban sus veranos  En 1895, cuando Virginia tenía 13 años, su padre murió y fué a partir de ese momento cuando Virginia empezó a sufrir síntomas de la periódica enfermedad mental que fue la plaga de toda su vida.
En 1912, cuando contaba treinta años, casó con Leonard Woolf,  con quien fundó en 1917 la célebre editorial Hogarth Press, que editó la obra de la propia Virginia y la de otros relevantes escritores, como Katherine Mansfield, T. S. Eliot o S. Freud. Sus primeras novelas, Viaje de ida y Noche y día, ponen ya de manifiesto la intención de la escritora de romper los moldes narrativos heredados de la novelística inglesa anterior, en especial la subordinación de personajes y acciones al argumento general de la novela, así como las descripciones de ambientes y personajes tradicionales; sin embargo, estos primeros títulos apenas merecieron consideración por parte de la crítica.

Sólo con la publicación de La señora Dolloway y Alfaro comenzaron a elogiar los críticos su originalidad literaria. En estas obras llaman ya la atención la maestría técnica y el afán experimental de la autora, quien introducía además en la prosa novelística un estilo y unas imágenes hasta entonces más propios de la poesía. Desaparecidas la acción y la intriga, sus narraciones se esfuerzan por captar la vida cambiante e inasible de la conciencia.

Escribió también una serie de ensayos que giraban en torno de la condición de la mujer, en los que destacó la construcción social de la identidad femenina y reivindicó el papel de la mujer escritora, como en Una habitación propia. Destacó a su vez como crítica literaria, y fue autora de dos biografías: una divertida recreación de la vida de los Browning a través de los ojos de su perro (Flush) y otra sobre el crítico Robert Fry (Fry). En uno de los accesos de una enfermedad mental que había obligado a ingresarla en varias ocasiones a lo largo de su vida, el 28 de marzo de 1941 desapareció de su casa de campo, hasta que días después su cuerpo fue hallado en el río Ouse.

Severo Ochoa (1905-1993)

Luarca, Asturias, 1905 - Madrid, 1993) Bioquímico español que fue Premio Nobel de Fisiología y Medicina de 1959.

Su interés por la biología fue estimulado en gran parte por las publicaciones del gran neurólogo español Santiago Ramón y Cajal;  cursó estudios de medicina que, en aquella época, eran los que mejor salida daban a sus perspectivas futuras. Sin embargo, nunca ejerció la medicina.
En Severo Ochoa se unían dos elementos muy importantes. Por una parte pasión por su trabajo y gran disposición a realizarlo incluso en las condiciones más duras, junto con un talento innato para la investigación.

En la Universidad madrileña fue profesor ayudante de Juan Negrín y le fueron concedidas varias becas para ampliar sus estudios en las Universidades de Glasgow, Berlín y Londres, y principalmente en Heidelberg, concretamente en el Instituto Kaiser Wilhelm para la Investigación Médica; durante este periodo trabajó en la bioquímica y la fisiología del músculo, bajo la dirección del profesor Otto Meyerhof. Emigró a los Estados Unidos en 1941,  pasó a trabajar en la Universidad de Nueva York, donde permaneció gran parte de su vida. En 1956 se le concedió la nacionalidad americana; pero según sus propias palabras él siempre se consideró "un exiliado científico, no político".

Sus experimentos realizados en esta época sobre farmacología y bioquímica, especialmente en el campo de las enzimas, le valieron la Medalla Bewberg de 1951. Investigó el metabolismo de los hidratos de carbono y de los ácidos grasos, y descubrió una nueva enzima que aclaraba el mecanismo de oxidación del ácido pirúvico (ciclo de Krebs).

Llegó a desarrollar entonces, al principio de una forma un tanto sorpresiva pero luego con sólida metodología, una técnica capaz de servir para crear y modificar en laboratorio los compuestos químicos que son básicos para la vida, esto es, los componentes fundamentales de las moléculas en que se halla escrito nuestro código genético, el ADN y el ARN.En concreto, logró en 1954 descubrir en sus trabajos de fosforilación oxidativa la enzima denominada polinucleótido fosforilasa, con la que se puede sintetizar ARN in vitro. Esto es crucial porque el ARN es el “intermediario” en las complejas rutas metabólicas que parten de las “órdenes” genéticas en el ADN y culminan en la síntesis de proteínas o, para ser más claro todavía, descubrió cómo opera la “maquinaria” molecular que hace funcionar a las células. Y, así, a partir de entonces, se pudieron desvelar los misterios acerca de cómo las células vivas trabajan en realidad, descubriendo el código por el cual el ARN va organizando la síntesis de proteínas. Fue algo absolutamente trascendental que cambió para siempre la ciencia y dio paso a la era de la biotecnología y a toda una nueva medicina. La biología molecular nació entonces y, como justo premio a este hallazgo, le fue concedido el Premio Nobel junto a su discípulo Arthur Kornberg

En mayo de 1986 murió su mujer, y ello supuso para Severo un golpe muy duro que le sumergió en una especie de profunda depresión. A partir de entonces, Ochoa decidió no volver a publicar ningún trabajo científico más, con lo que puso totalmente fin a su brillante carrera. A partir de entonces se dedicó principalmente a dar conferencias, a atender a los medios de comunicación y a tratar con los estudiantes del Centro de Biología Molecular de Madrid. En junio de 1993, Severo Ochoa presentó en Madrid su biografía titulada La emoción de descubrir, escrita por el periodista Mariano Gómez-Santos, y en noviembre de ese mismo año murió en Madrid, a la edad de 88 años, a consecuencia de una neumonía

Nelson Rolihlahla Mandela

Nelson Rolihlahla Mandela  (Mvezo, Unión de Sudáfrica, 18 de Julio de 1918); Renunciando a su derecho hereditario a ser jefe de una tribu xosa, Nelson Mandela se hizo abogado en 1942. En 1944 ingresó en el Congreso Nacional Africano (ANC), un movimiento de lucha contra la opresión de los negros .

En 1948 llegó al poder en Sudáfrica el Partido Nacional, que institucionalizó la segregación racial creando el régimen del apartheid. Bajo la inspiración de Gandhi, el ANC propugnaba métodos de lucha no violentos: la Liga de la Juventud (presidida por Mandela en 1951-52) organizó campañas de desobediencia civil contra las leyes segregacionistas. El endurecimiento del régimen racista llegó a su culminación en 1956, con el plan del gobierno de crear siete reservas o bantustanes, territorios marginales supuestamente independientes, en los que confinar a la mayoría negra. El ANC respondió con manifestaciones y boicoteos, que condujeron a la detención de la mayor parte de sus dirigentes; Mandela fue acusado de alta traición, juzgado y liberado por falta de pruebas en 1961.

En 1962 viajó por diversos países africanos recaudando fondos, recibiendo instrucción militar y haciendo propaganda de la causa sudafricana. A su regreso fue detenido y condenado a cinco años de cárcel. Un juicio posterior contra los dirigentes de la Lanza de la Nación le condenó a cadena perpetua en 1964. Ese mismo año fue nombrado presidente del ANC. Prisionero durante 27 años en penosas condiciones, el gobierno de Sudáfrica rechazó todas las peticiones de que fuera puesto en libertad. Nelson Mandela se convirtió en un símbolo de la lucha contra el apartheid dentro y fuera del país, una figura legendaria que representaba la falta de libertad de todos los negros sudafricanos.
En 1990 fué puesto en libertad y se convirtió  en el principal interlocutor para negociar el proceso de democratización. Mandela y De Klerk compartieron el Premio Nobel de la Paz en 1993.

Las elecciones de 1994 convirtieron a Mandela en el primer presidente negro de Sudáfrica

Poema que sostuvo a Nelson Mandela durante 30 años de carcel.

GUSTAV KLIMT

(Viena, 1862 - id., 1918) Gustav Klimt fue el más famoso de los artistas austriacos de su tiempo. Pero pese a eso, los aspectos personales de su biografía son todavía hoy un misterio apenas desvelado. Fue la figura más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte academicista, del que constituyen un buen exponente las pinturas de la escalera del Museo de Historia del Arte de Viena.         
         
 En 1876 en la Escuela de Artes Aplicadas del Museo Imperial de Arte e Industria de Viena, institución fundada pocos años antes con el fin de mejorar la situación de las artes industriales en el Imperio. Allí se hará con una sólida formación técnica y teórica y, al terminar sus estudios en 1883. Cinco años despues pinta para el concejo vienés una vista interior del viejo Burgtheater que le valió en 1890 el Premio del Emperador. Con menos de treinta años, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena.

En 1894, Klimt había recibido el encargo de crear tres pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena.  Inacabadas hasta el fin de siglo, estas tres obras -Filosofía, Medicina y Jurisprudencia- fueron muy criticadas por lo radical de su enfoque y su propia representación, que algunos consideraron "pornográfica". Klimt adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo convencional, dándole forma con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices provocativos. El clamor fue general: protestaron políticos, pero también personalidades relacionadas con el mundo del arte y la moral pública. La universidad decidió finalmente no colocar las obras de Klimt, y éste no volvería a admitir encargos a partir de entonces.

La "etapa dorada" de Klimt vino determinada por un progresivo acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pinturas.

Klimt llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales "de café".
Klint escribió: "estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante. No hay nada especial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche. Figuras, paisajes; de vez en cuando, retratos. Las palabras, habladas o escritas, no me salen con facilidad, especialmente cuando tengo que decir algo sobre mí mismo o sobre mi trabajo. (...) Si alguien quiere descubrir algo en mí (...) puede contemplar atentamente mis pinturas y tratar de descubrir a través de ellas lo que soy y lo que quiero".

La obra de Gustav Klimt reúne: la singularidad, la impresión de que en ella se encierran claves íntimas; pero, al mismo tiempo, es una síntesis casi exhaustiva de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística moderna europea de los años del cambio de siglo. Klimt alentó la modernización y la apertura del arte austriaco a las tendencias europeas.

Marilyn Monroe

 Marilyn fue mucho más que un símbolo sexual de los años 50. La aparente inocencia de su mirada junto a su innata sensualidad hizo de su imagen un ícono de admiración internacional por más de un siglo. Su vida fue el reflejo de su pasión y lucha personal.

La estrella de Hollywood, Marilyn Monroe, nació el 1ro de junio de 1926, con el nombre Norma Jeane Mortenson, siendo luego bautizada como Norma Jeane Baker. Su madre, Gladys Monroe, quien poseía modestos recursos financieros, sufría de problemas mentales. Su infancia fue muy desgraciada, su madre sufría ataques de locura y la niña pasó de hogar a hogar y de orfanato a orfanato. Su padre era desconocido aunque ella fue registrada con el apellido Mortenson. A los 15 años fue violada y entregó a su hijo, fruto de la violación, a un orfanato.

En 1944, Marilyn Monroe fue fotografiada mientras trabajaba por un periodista que realizaba un artículo sobre la contribución de las mujeres a la economía durante la guerra. El fotógrafo pidió su autorización para tomarle más fotos, y sin darse cuenta ella comenzó su carrera de modelo. En 1945, la belleza de Norma Jeane Dougherty se hizo inmensamente popular, apareciendo en la tapa de 33 de las más famosas revistas de la época. Mas tarde, Marilyn firmó contrato con 20th Century-Fox, por un salario de $125 a la semana. Poco tiempo después ella ya se hacía llamar Marilyn Monroe, tomando el apellido de su madre y el nombre de la conocida actriz Marilyn Miller. Su primera aparición en el cine fue pequeña, durante 1947, siendo en el filme "The Shocking Miss Pilgrim".

Después de aparecer como un rostro bonito de Hollywood en varios, filmes Marilyn comenzó a estudiar arte escénico con el conocido maestro Lee Strasberg, Director del estudio Actor's Studio de New York. Durante el mismo año, Marilyn lanzó Marilyn Monroe Productions junto al fotógrafo Milton Green. Su nueva empresa produjo "Bus Stop" (1956) y "The Prince and the Showgirl" (1957), filmes que permitieron a Marilyn demostrar sus nuevas habilidades como actriz.

El 29 de junio de 1956, Marilynm, tras dos matrimonios fallidos, volvió a contraer matrimonio con el dramaturgo Arthur Miller. El filme "The Misfits" fue escrito por él especialmente para Marilyn. Esta fue la última obra completa de Marilyn. Miller y Marilyn se divorciaron el día 20 de enero de 1961.

En 1962, Marilyn fue aclamada como la estrella más popular del mundo ("World's Most Popular Star") con la entrega del Globo de Oro (Golden Globe), reafirmando su fama y reconocimiento internacional. El día 4 de Agosto del mismo año, con apenas 36 años de edad, Marilyn Monroe falleció mientras dormía en su casa de Brentwood, California. El mundo sufrió por su perdida. Su cuerpo fue sepultado en el Westwood Memorial Park, Corridor of Memories, 24, también de Los Angeles.

Marilyn Monroe apareció en 30 filmes dejando uno de ellos, "Something's Got to Give", sin ser completado. Pero ella fue mucho más que una estrella del cine. Su popularidad la transformó en un mito y leyenda de inmensa admiración. Actualmente el nombre e imagen de Marilyn Monroe son símbolos de belleza y glamour. Su espíritu sirve de inspiración para aquellos que luchan durante su vida en busca de la grandeza.

JOAN MIRÓ

El carnaval del arlequín (1925)

(Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, España, 1983) Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp.
De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos.

 

Ese mismo año viajó a París y conoció a Picaso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior.

La otra gran influencia de la época vendría de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos.

En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho.

La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca, donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines.

Entretanto, Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie Barcelona (1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica, realizados en colaboración con Llorens Artigas. En las décadas de 1950 y 1960 realizó varios murales de gran tamaño para localizaciones tan diversas como la sede de la Unesco en París, la Universidad de Harvard o el aeropuerto de Barcelona; a partir de ese momento y hasta el final de su carrera alternaría la obra pública de gran tamaño (Dona i ocell, escultura), con el intimismo de sus bronces, collages y tapices. En 1975 se inauguró en Barcelona la Fundación Miró, cuyo edificio diseñó su gran amigo Josep Lluís Sert.

Erik Erikson

(Erik Homburger Erikson; Frankfurt del Main, 1902 - Harwich, Massachusetts, 1994)

Psicoanalista estadounidense de origen alemán. Tras estudiar arte en su juventud, conoció a Anna Freud, por influencia de la cual se estableció en Viena y se vinculó al movimiento psicoanalítico. En 1933 emigró a Estados Unidos, donde estudió la influencia cultural en el desarrollo psicológico trabajando con niños de diversas reservas indias.

Considerado como uno de los representantes de la tendencia culturalista del psicoanálisis, sus trabajos se refieren sobre todo a la infancia y a la adolescencia: Infancia y sociedad (1950), El joven Lutero (1958), Identidad, juventud y crisis (1968), Gandhi y los orígenes de la no violencia (1969), Historia personal y circunstancia histórica (1975).

Erikson integró el psicoanálisis clínico y la antropología cultural matizando nuevos aspectos del desarrollo.Según Erikson, el desarrollo humano sólo se puede entender en el contexto de la sociedad a la cual uno pertenece y remarca la relación entre el ego y las fuerzas sociales que tienen algún tipo de influencia sobre las personas en determinados momentos de la vida.

Erikson divide la vida en ocho etapas de desarrollo psicosocial. Cada etapa está caracterizada por una crisis emocional con dos posibles soluciones, favorable o desfavorable. La resolución de cada crisis determina el desarrollo posterior. Las cuatro primeras etapas son especialmente importantes para nosotros porque se centran en los niños pequeños

Tabla 1- Las cuatro primeras etapas del desarrollo psicosocial según Erikson

Crisis central	Solución positiva	Solución negativa
Confianza básica vs. desconfianza (desde el nacimiento a los 18 meses)	La confianza en el cuidador que se ha convertido en “certeza interna y en predictibilidad externa” conduce a la confianza del niño en el entorno.	Miedo, ansiedad y sospecha. Carece de atenciòn fisica y psicológica por parte del cuidador conduce a desconfiar de el entorno.
Autonomía vs. duda, (de los 18 meses a los 3 años)	Sensación de vales. Afirmaciòn de la lección y la voluntad. El entorno favorece la independencia y estos el orgullo y la buena voluntad.	Pédida de la autestima. La sensación de control externo excesivo hace dudar de un mismo y de los otros.
Iniciativa vs. culpa, ( de 3 a 6 años)	Capacidad por aprender, para empezar las actividades, para disfrutar del dominio y los éxitos.	Incapacidad para controlar el nuevo poder. Ser consciente del posible fracaso, inculca la sensación de culpa y el miedo al castigo.
Lavoriosidad vs. inferioridad, (de los 6 años a la pubertad)	Aprende el valor del trabajo, adquiere las habilidades y las herramientas de tecnología. La competencia ayuda a ordenar las cosas y a hacer las funcionar.	La frustracíon repetida y el fracaso conducen a una sensación de no adecuación y de inferioridad que afecta a la visión de la vida.

(Adaptado de *Erikson, 1963)

Para Erik Erikson, el desarrollo infantil de la "confianza básica'' en los adultos, desarrollada durante los primeros años de vida, es el fundamento de todo el desarrollo social posterior. Insistió en la importancia de lo que Piaget denominó estadio sensomotor del desarrollo, y corroboró la aseveración de que dicho estadio es el fundamento imprescindible de un desarrollo social e intelectual normal.

En la adolescencia, etapa a la que prestó también particular atención, la formación de la identidad es un foco de atención primordial. Las personas a lo largo de su vida se preguntan "¿quién soy yo?", pero esta pregunta en la adolescencia adquiere características de crisis. Erikson caracteriza la adolescencia como un período de confusión y angustia en que se experimenta con alternativas antes de optar por una serie de valores y metas. Los adolescentes experimentan diversas identidades en la familia, en la escuela, entre los compañeros, en los clubes o en movimientos políticos. Durante este período, lo que los adolescentes consideraron una vez como dado es ahora cuestionado; a través de un proceso de búsqueda interior, cambian las características que definieron el yo en la niñez y las combinan con nuevos compromisos. La búsqueda de la identidad es el rasgo más destacado de la personalidad adolescente, y de su hallazgo depende el paso a una edad adulta feliz y productiva.

Así pues, un objetivo importante de la educación prematura es favorecer el desarrollo de personalidades sanas y valorar las primeras experiencias y relaciones de la vida de los niños

GRETA GARBO

Se quedó huérfana a los catorce años y tuvo que dejar el colegio y empezar a trabajar. Su primera ocupación la tuvo en una barbería masculina, luego fue vendedora de la sección de sombreros de señora en unos grandes almacenes de Estocolmo. Pronto fue ascendida a modelo e intervino en algunas películas publicitarias.

En 1922 hizo el examen de entrada para la Academia Real de Arte Dramático, donde fue admitida. Su descubridor fue Maurice Stiller (aunque el que la lanzó al estrellato fue Louis B. Mayer) uno de los grandes creadores del cine mudo, quien se la llevó con él, primero a Alemania y luego a los Estados Unidos.

Llegó al nuevo continente en 1926 y casi inmediatamente rodó tres películas El torrente (entre naranjos), La tierra de todos, El demonio y la carne. Greta Garbo supo amoldarse a ese arquetipo de mujer distante, indestructible y enigmática que triunfaría en el cine mudo. Pero el gran momento de la actriz, el que daría paso a su exitosa carrera, coincidió con su película El demonio y la carne.

En 1941 cuando sólo contaba con 35 años "La divina" se retiró tras rodar La mujer de las dos caras. Más tarde se supo que su abandono se debió a que ella nunca quiso envejecer de cara al público. Desde ese momento se la conoció como "La misteriosa" por el secreto que rodeaba su vida privada y que dio pie a numerosos rumores. Mantuvo sonados romances tanto con hombres como con mujeres, casi todos compañeros de profesión aunque nada de esto afectó a su envidiable carrera cinematográfica.

En 1951 se nacionalizó americana. Fue nominada en tres ocasiones al Oscar como mejor actriz por Anna Christie, Romance y Ninotchka y aunque en ninguna de las tres ocasiones consiguió la estatuilla, en 1954 la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas le concedió un Oscar especial "en reconocimiento a su interpretaciones". Además de este galardón, obtuvo en dos ocasiones (1930 y 1941) el premio de la critica de Nueva York por sus interpretaciones en Ana Karenina y La mujer de las dos caras.

Es curioso destacar lo que comentó Paul Newman en una ocasión acerca de ella: "Jamás he sentido envidia por nada ni por nadie. Solamente por los actores que tuvieron la dicha de trabajar con ella. Cómo lamento no haber pertenecido a aquella época. Incluso hubiera sido su director en más de una ocasión. Bueno, si ella lo hubiese aceptado, claro".